Genren minimalism avslöjas i olika former av konst: måleri, musik och litteratur. Det uppstod på 60-talet av XX-talet och kom till som ett svar på abstrakt expressionism. Minimalister försökte ta sig bort från den abstrakta expressionismens uttrycksfulla drag, eftersom de ansåg att dessa verk var för pompösa och förminskade själva konstens väsen. Tvärtom försökte konstnärer av den minimalistiska genren att skapa en bild från enkla linjer och figurer. Minimalism kännetecknas av tolkningen av verk genom betraktarens ögon. Speciellt för detta konstverk tas alla komplexa föremål, sätt att uttrycka sig själv, biografier och sociala program bort. Betraktaren ska se bilden som den verkligen är: full av jungfrulig skönhet och ärlighet.
På grund av den starka betoningen på grundläggande element, var genren minimalism känd som ABC-konst. De flesta av de mest framstående minimalisterna var skulptörer, men minimalism var också utbredd i Land Art, en utlöpare av genren som syftade till att skapa konst i form av landskap, i huvudsak en gren av landskapsdesign.
Minimalism är också fokuserat på rörelsen av ljus och rymd, men många konstnärer av denna genre försöker skildra tomhet i sina verk.
Man trodde att minimalism hade sitt ursprung i Asien. För många västerländska konstnärers arbete, som Agnes Martin exemplifierar, har zenbuddhismen haft en enorm inverkan. Den stora massan av minimalistiska konstnärer påverkades av begreppet "tomhet" lånat från de hinduiska skrifterna. Mono-ha var en av de största minimalistiska rörelserna i Asien. Det var Japans första internationellt erkända samtidskonströrelse. Mono-ha, även kallad "Tingens skola", uppstod i mitten av 60-talet av XX-talet och blev sedan en innovativ konströrelse. Denna grupp leddes av Li Ufang och Nobuo Sekine. Det var den enda föreningen som positionerade sin verksamhet som "icke-kreativitetsverksamhet". Sådana grupper förkastade traditionella idéer om representation. Deras önskan var att avslöja världen genom att interagera med material och deras egenskaper, liknande den västerländska trenden minimalism.
Vi erbjuder för att se de mest kända verk av minimalistisk konst, med betoning på att tillhöra denna genre. Du kommer också att presenteras med målningar och skulpturer som förstör traditionella idéer om konst i allmänhet, eftersom de har raderat ut skillnaderna mellan dem.
Frank Stella "Banners skyward!" (1995)
Frank Stella, som målare, skulptör och grafiker, anses vara en av de mest inflytelserika amerikanska konstnärerna som lever idag. Hans målningar, fulla av ränder, såväl som storslagna tryck, revolutionerade inte bara minimalismens värld utan också abstraktionen. Författaren noterar att det största inflytandet på hans verk gavs av de abstrakta konstnärerna Pollock och Klein. Men genom ödets vilja blev Frank Stella en av minimalismens grundare.
"Banner upp!" uppkallad efter nazisternas marschlåt, men allt utom namnet på bilden verkar inte ha någon betydelse. Detta verk är en del av en stor cykel av Stellas mörka verk. De ljusa linjerna, tydligt synliga på bilden, är bara en obehandlad duk kvar bland breda svarta ränder. Detta monokroma verk är en av de mest kända målningarna som utmanar den abstrakta rörelsen.
Robert Morris, Untitled (Mirror Cubes) (1965/71)
"Untitled (Mirror Cubes)" av Robert Morris avslöjar honom inte bara som skaparen av den minimalistiska genren, utan också som en konceptuell sådan. Författaren stötte på stora gråa lådor gjorda av plywood och användes som dekorationer medan han fortfarande uppträdde med ett balettkompani. I sitt arbete täckte han dessa lådor med speglar, och förändrade därigenom sättet att uppfatta, och lade till nya visuella egenskaper till enkla grå kuber. Kompositionen är inriktad på betraktarens direkta interaktion med objektet: när de går mellan de spegelvända kuberna, kolliderar åskådarna ofrivilligt med sig själva och förblir som ensamma med sina tankar, men ensamma med alla. Akten att beundra ett konstverk avbryts plötsligt av akten att leta. Det är på denna grund som "invasionen" av gallerirummet sker. En person börjar känna närvaron av konst bortom det synliga.
Agnes Martin, Tillbaka till världen (1997)
Agnes Martin målade tavlor som inte föreställde föremål på något sätt, men deras namn betonade naturens starka charm. Martins verk kändes igen av ett rutnät som kombinerar minimalism och färgschema. Rutnätet användes för att organisera utrymmet på duken. Hon har hjälpt till att skapa en oändlig mängd lugnande verk i subtila färgscheman.
Starkt influerad av zenbuddhism och taoism, har Martin varit väldigt fristående från världen under större delen av sitt liv, till och med bosatt i New Mexico. Vid 40 års ålder fick hon diagnosen schizofreni. "Tillbaka till världen" skrevs under hennes nionde decennium av livet. Då var hon på ett äldreboende. Ränderna av blått, persika och gult fortsatte fortfarande att betona konstens exklusivitet i en värld full av korruption, så hon minskade storleken på sina dukar för att ha mindre svårigheter med dem.
Ellsworth Kelly, Red, Yellow, Blue II (1953)
Service under andra världskriget hade en tydlig inverkan på Ellsworth Kelly. På sätt och vis användes den som en iakttagelse av natur och arkitektur, och sedan tillämpades den i praktiken. En noggrann studie av abstraktion av författaren och dess tillämpning i hans verk utvecklade minimalism. Serien av målningar "Röd, Gul, Blå" påverkade sättet att måla. Den skapades så snart Kelly upptäckte de oändliga möjligheterna med monokromt färgspektrum, slumpmässighet och komposition med flera paneler.
Red Yellow Blue II består av sju paneler. Den centrala svarta panelen är både en skiljepanel och tre paneler på varje sida. Blå paneler i ändarna accentuerar Kellys komposition. Det är detta verk som anses vara ett av hans bästa verk, liksom det största verket under vistelsen i Paris.
Sol Levitt, Målade väggar
Sol Levitt har målat 1 350 väggar under 40 år av sin karriär, varav 3 500 är installationer på 1 200 platser. Designen var helt annorlunda: från raka ränder applicerade med svart skiffer, till flerfärgade vågiga linjer, monokroma geometriska former och ljusa utrymmen målade med akryl. Författaren avvisade den traditionella betydelsen av skaparens egen hand, vilket gjorde att han kunde hjälpa andra i skapandet av sitt konstverk. Hans väggmålningar tog formen av de utrymmen de ockuperade, därför blev de föremål för studier inom arkitektur och konst.
Levitt gick bort 2007, men hans verk fortsätter att leva, eftersom konstnärens anda är inbäddad i dem. Nuförtiden finns det flera konstnärer som vägrar att återskapa hans väggmålningar och låter dem därigenom dekorera väggar runt om i världen.
Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)
Rainbow Picket är en installation i rumsstorlek. Den består av sex trapetser, olika i färg och längd. Förutom den första separatutställningen på Rolf Nelson Gallery i Los Angeles (januari 1966) visades detta verk i grundutställningen "Basic Structures" på Judiska museet.Clement Greenberg, känd kritiker, talade om detta arbete som det bästa inom detta område. 2004 rekonstruerades Rainbow Picket, och senare blev föremålet kännetecknet för LAMOCA "Minimalistic Future? Konst som ett objekt (1958-1968)".
Genom att skapa verk som detta, testa färgens möjligheter med sina självgjorda rumsliga mönster och scheman, blev Judy Chicago berömmelse som en innovatör inom den minimalistiska genren.
Dan Flavin, "Utan titel (Efter Harold Joachim) 3" (1977)
"Utan titel (efter Harold Joachim) 3" är ett av många verk av Dan Flavin. Den består av LED-lampor och metallklämmor. Författaren studerade möjligheterna med fluorescerande ljus i tre decennier och utförde sitt arbete endast med kommersiellt tillgängliga material. Efter att ha avstått från begreppen abstrakt expressionism började Flavin använda sådan utrustning och introducerade den sedan i en värld av hög konst. Vid en första anblick verkar arbetet vara så enkelt som möjligt, men om du tittar noga kommer du att se en djup sofistikering av arbetet.
Flavins verk tenderar att gå utöver det utrymme där de befinner sig, tack vare ljusets spel och en mängd olika färgpaletter. Objekten låter betraktaren bada i det varma sken från lysdioderna, vilket skapar en specifik atmosfär.
Eva Hesse, "An Nameless Work (Pieces of Rope)" (1970)
Eva Hesse föddes i Tyskland. Vi känner henne nu som en innovativ amerikansk skulptör som arbetar med latex, glasfiber och plast. Hon lade grunden för utvecklingen av post-minimalism på 60-talet av XX-talet. Författaren utforskade egenskaperna hos de enklaste materialen för användning i illustrationer för mycket mer.
"The Nameless Work (Pieces of Rope)" skapades 1970, när Hesse redan var på väg att dö, och fullbordades med hjälp av sina kamrater. Utställningen är gjord av latex spänd över rep, fiskelina och tråd och upphängd i taket. Den simulerar ett trassligt mönster i rymden. Hesse har gått bort från minimalismens traditionella prydlighet, men hennes sätt att presentera material uppfattas inom genren.
Donald Judd, Untitled Job (1980)
Donald Judd förnekar bestämt sin koppling till minimalism. Trots detta är han en av dess grundare. I början av 60-talet av 1900-talet upptäckte författaren en viss fientlighet mot europeiska konstnärliga värden, så han flyttade bort från en skulptörs arbete och började skapa verk som inte kunde hänföras till någon av ovanstående konstsektioner. Hans verk har också ställts ut på Major Structures i New York.
På 1980-talet började Judd skapa hängande, vertikala hyllor. Ett exempel på detta är "arbete utan titel" (1980). Hittills kan denna typ av arbeten inte hänföras till måleri. Inte en skulptur. verket är gjort av 2 typer av material: aluminium och plexiglas. Detta görs för att betraktaren ska tänka på konstens motsägelsefulla natur: de ogenomskinliga och besatta figurerna från sidan är kopplade till djupet av utrymmet framför.
Vi rekommenderar att du tittar på:
Förstå MINIMALISMEN i allmänhet, varför vi visas den på museer. Hur minimalismen började utvecklas och hur den påverkade våra liv!
